Érase una vez en América. Por Rafael Gómez de Marcos

Érase una vez en América

«Érase una vez en América fue el canto del cisne del cineasta y se encuentra entre las mejores películas de la historia del cine»

Con John Ford, la gente mira por la ventana con esperanza. Yo le muestro a la gente que tiene miedo incluso de abrir la puerta. Y si lo hacen, tienden a recibir una bala justo entre los ojos. Pero así es«, dijo Sergio Leone en una entrevista. Esta afirmación demuestra no sólo la diferencia entre un western y un spaghetti western, sino que también resalta una de las nociones clave del cine de Leone: la tensión.

 

Sergio Leone nació en Roma en 1929, hijo de la estrella del cine mudo Bice Valerian (Edvige Valcarenghi) y del actor y director de cine Roberto Roberti (Vincenzo Leone). Estudió en la facultad de derecho y luego comenzó a trabajar como asistente de dirección para, entre otros, Vittorio De Sica (e incluso tuvo un pequeño papel en El ladrón de bicicletas). Más tarde, ayudaría a muchos directores estadounidenses que filmaron en Roma, entre ellos Robert Wise, Fred Zinneman y William Wyler.

 

Dirigió sólo siete películas, de las cuales seis se consideran generalmente «películas de Sergio Leone», siendo su debut un producto de estudio directo de la línea de producción Cinecittà. El gran director italiano se consagró como el inventor del género spaghetti western a mediados de los años 1960 gracias a su trilogía de Dólares (“Por un puñado de dólares” (1964), “La muerte tenía un precio” (1965) y “El bueno, el feo y el malo” (1966) protagonizada por el legendario Clint Eastwood.

 

Sus tres películas siguientes, se conocerían como la trilogía Érase una vez y terminarían abarcando tres décadas: la primera entrega, llamada “Érase una vez en el Oeste” (Once Upon a Time in the West) se estrenó en 1968, la segunda, “Duck, You Sucker” en 1971, y la última “Érase una vez en América” (Once Upon a Time in America), que le llevó más de una década realizarla, se estrenó en 1984. Su mayor obra maestra, que nos habla de la gran ilusión del sueño americano. Un poema épico de violencia y codicia, basada en la novela The Hoods.

 

“Érase una vez en América” es tan épica como “El Padrino”, más sangrienta que “Uno de los nuestros” y tan astuta como “Malas calles”. La trama se centra en dos personajes (Robert De Niro y James Woods) a lo largo de tres etapas centrales de sus vidas: como niños a principios del siglo XX, como contrabandistas adultos en la época de la Prohibición, y luego como hombres ancianos de 60 años, durante la década de 1960.

 

En Érase una vez en América , se aborda la ilusión del sueño americano, visto a través de los ojos de esos niños judíos cuya infancia estuvo sumergida en la pobreza, con la perspectiva de que el crimen fuera la única solución lógica, para la cual no existen sentimientos de remordimiento o culpa. Es una descripción visceral de la masculinidad tóxica que todavía reina en el mundo actual, mostrando a niños inherentemente destrozados que llegan al poder a través de la violencia y la corrupción. También es un retrato dolorosamente preciso de la misoginia imperdonable que alguna vez se consideró una norma, con actos de violencia (sexual y de otro tipo) contra las mujeres mostrados con gran detalle y con poca o ninguna restricción. Una visión panorámica que se desarrolla en 1921, 1933 y 1968, pero no en ese orden.

 

Sergio Leone no tiene miedo de centrar su historia en personajes que hacen cosas realmente despreciables, mostrando así un lado horriblemente oscuro del estilo de vida criminal. Puede ser un espectáculo desafiante, pero la actuación, la música y el espectáculo visual que se exhiben son esencialmente incomparables. Un cineasta completo maximiza el uso de todos los recursos a su disposición. Ya fueran los ángulos de la cámara, la edición o la música de fondo, Sergio Leone manipuló todas las herramientas disponibles a su favor para producir momentos dramáticos intensos. Pero su uso del sonido para crear tensión fue distinto e innovador, lograba mantener la tensión alta incluso en la escena más «tranquila». Mientras mira sus películas, el espectador no puede evitar el presentimiento. El único elemento que quizás pueda reconfortar al espectador o aliviar la tensión es el humor. La música y el sonido son los elementos que más aprovecha Leone para generar esa tensión.

 

Cuando piensas en directores exitosos en la historia del cine, todos han tenido colaboraciones duraderas con sus compositores musicales, ya sean Alfred Hitchcock y Bernard Hermann, Steven Spielberg y John Williams, David Fincher y Trent Reznor y Atticus Ross, Paul Thomas Anderson y Jonny Greenwood, etc. Pero la colaboración entre Sergio Leone y Ennio Morricone, hizo que la música fuese la columna vertebral de las películas de Leone. La clave de su fructífera colaboración fue la profunda comprensión de Leone del papel de la música en el cine. Siempre creyó que la música es más expresiva que el diálogo y que cuando un artista expresa algo con imágenes y música en lugar de decir las palabras en la página, siempre es un trabajo impactante y completo.

 

A diferencia de la mayoría de los directores, que esperan hasta que termine el rodaje de la película para encargar la banda sonora, Leone primero adquiría la partitura de Morricone y luego planificaba sus escenas en torno a ella. Tenían un estilo único de trabajar juntos. Morricone nunca leyó ninguno de los guiones de Leone. En cambio, Leone le daría un informe detallado sobre los pensamientos y sentimientos de los personajes. En una entrevista, Leone lo reconoció y afirmó: «Siempre he dicho que mi mejor dialoguista y guionista ha sido Ennio Morricone«.

 

“Érase una vez en América” se concibió para ser una monumental película de seis horas que se estrenaría en dos partes, los productores de la película convencieron a Sergio Leone para reducirla a cuatro horas y 29 minutos. Una vez más se redujo a tres horas y 49 minutos y cuando esa versión se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1984, recibió una ovación de pie de quince minutos. Sin embargo, para el estreno estadounidense, los productores le dieron un hacha a la película, reduciéndola a una duración de dos horas y 19 minutos y reorganizando las escenas hasta convertirla en un desastre.

 

No fue hasta 2012 que el público estadounidense pudo ver una aproximación a la gran visión de Leone, de casi cuatro horas de duración, cuando Martin Marin Scorsese logró restaurar la mayor parte de la película para una proyección en Cannes y un relanzamiento en DVD.

 

Hay tres épocas de Estados Unidos retratadas de forma no lineal en la película: los duros guetos judíos del Lower East Side de Manhattan en la década de 1920, la exuberancia al estilo del Gran Gatsby de la Prohibición de la década de 1930 y luego las calles oscuras y plagadas de pandillas de 1968. Nueva York, posmodernidad.

 

Leone busca capturar cada época de Nueva York con una verdad poética en espíritu y en cámara esta última a la excelente fotografía de Tonino Delli Colli. Sergio Leone había dedicado la mayor parte de la década de 1970 a preparar “Érase una vez en América” . La tensión del rodaje de la película en 1982-83 empeoró una enfermedad cardíaca que ya era grave, y la batalla legal que soportó con el estudio para tratar de preservar los 228 minutos de duración de la película erosionó aún más su salud. En este momento de la narración, me acuerdo de Pilar Miró. El final profundamente misterioso de “Érase una vez en América “ha desconcertado a los espectadores durante décadas.

 

La película, que comienza con una imagen de De Niro cuando era joven en el Nueva York de los años 30, silenciando el terror de su atormentada vida criminal chupando de una larga pipa en un fumadero de opio, también termina con la misma escena, aunque esta vez, Noodles su personaje, está acostado boca arriba, sonriendo a la cámara. ¿Fue todo un sueño? ¿O tal vez una pesadilla?

 

«Érase una vez en América» es inteligente, es conmovedora, está filmada, editada y musicalizada con más ingenio que cualquier película de su tipo: una auténtica defensora de la forma, trágicamente ignorada en nuestra cultura. «Érase una vez en América» fue el canto del cisne del cineasta y se erige como una película verdaderamente épica que se encuentra entre las mejores películas de la historia del cine.

Rafael Gómez de Marcos

Enamorado de la vida, reivindico mi infancia, mi verdadera patria, tres pilares, El Capitán Trueno, The Beatles y Joan Manuel Serrat, me fascina la ópera, me encanta bailar bachata y considero que decir cine americano es una redundancia. TVE no vio en mí ningún talento tras más de treinta años de servicios, Talento que me concedió la Academia de las Artes y las Ciencias de la Televisión en reconocimiento a mi trayectoria profesional. Nunca he estado afiliado a ningún sindicato y jamás he militado en ningún partido. Mi cita de bandera es una frase de José Ortega y Gasset: "Ser de la izquierda es, como ser la derecha, una de las infinitas maneras que el hombre puede elegir para ser un imbécil: ambas, en efecto, son formas de la hemiplejía moral".

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