Rafael Gómez de Marcos 
«Con la octava entrega de Mis favoritos del cine, dedicada a los directores de fotografía, finalizo esta serie, espero les haya gustado»
Estos son mis elegidos: Gregg Toland: Pionero de la cinematografía. Freddie Young: Maestro de los paisajes épicos. Jack Cardiff: El mago del technicolor. Sven Nykvist: El ojo de Bergman. Vittorio Storaro: Pintor de luz. Gordon Willis: El príncipe de las tinieblas. Conrad L. Hall: Maestro de las sombras. Vilmos Zsigmond: Un nuevo visionario de Hollywood. Emmanuel Lubezki: El virtuoso de las tomas largas y Roger Deakins: Maestro de la luz natural.
El proceso de realización cinematográfica implica que un director, un guionista y un director de fotografía colaboren estrechamente en un esfuerzo por lograr un objetivo compartido. El director de fotografía es la persona encargada de traducir todos los elementos no verbales de una narración a un vocabulario visual.
El cine, como bien sabéis, ha sido una fuente constante de cambios, tanto en su forma estética como en su estilo. La llegada de nuevas tecnologías no solo ha elevado los estándares, sino que ha ayudado a los directores de fotografía a experimentar con estilos que antes se consideraban imposibles. Los mejores directores de fotografía de la historia del cine han dado forma a la forma en que experimentamos las películas, creando obras maestras visuales que resuenan en el público mucho después de que aparezcan los créditos finales.
La cinematografía, el arte y la ciencia de la fotografía cinematográfica, es una piedra angular de la realización cinematográfica. Abarca todo, desde la selección de la cámara y el objetivo hasta la iluminación, el encuadre y la gradación del color. El papel de un director de fotografía ha evolucionado significativamente desde el inicio del cine en 1895 con Auguste y Louis Lumière, adaptándose a los avances tecnológicos desde los primeros días de la película en blanco y negro hasta la era digital actual.
Mi selección de favoritos abarca desde figuras pioneras como Gregg Toland, cuyo trabajo profundo en “Ciudadano Kane” revolucionó el oficio, hasta maestros contemporáneos como Roger Deakins, reconocido por su impresionante trabajo en películas como “Blade Runner 2049”.
Gregg Toland fue el asistente de los mejores directores de fotografía de Fox, como Daniel B. Clark, ASC. A los 27 años, se convirtió en el primer camarógrafo más joven de la historia de Hollywood, era conocido por su meticulosa atención a los detalles y su capacidad para crear imágenes impactantes que complementaban la historia. También era conocido por su disposición a experimentar con nuevas técnicas y su capacidad para traspasar los límites de lo posible en el cine.
En la época del cine mudo, las cámaras de cine hacían un ruido increíble y emitían ruidos como de chasquidos y zumbido. Esto no importaba, por supuesto, cuando las películas eran mudas, pero supuso un gran problema cuando se introdujo el sonido. Toland inventó entonces un dirigible con carcasa insonorizada que envolvía la cámara; esto silenciaba los ruidos de chasquidos y zumbido, permitiendo así más movimiento y libertad artística a los directores. En 1931, recibió su primer encargo como director de fotografía principal.
A Toland no le gustaba trabajar en color, no solo por las limitaciones del proceso sino porque prefería trabajar en temas más dramáticos. En ese momento, la fotografía en color generalmente se limitaba a los musicales. Por lo general, los directores de fotografía se veían (y siguen viéndose) obligados a trabajar en la mayoría de las películas con poca o ninguna preparación. Goldwyn incluía a Toland en el equipo de planificación previa junto con el director y los diseñadores con hasta seis semanas de antelación. Entre una película y otra, podía trabajar en el laboratorio experimental de Goldwyn, ideando nuevos objetivos, filtros y aparatos para cámaras. Era consciente de las ventajas de su situación y a menudo expresaba el deseo de que sus colegas pudieran trabajar en condiciones similares.
“Cumbres borrascosas” (1939) es un hito importante en la floreciente carrera de Toland. La describió como «una imagen suave y difusa, una fantasía«. Está llena de efectos de luz de velas, primeros planos románticos, brezos ondulantes, remolinos de nieve y niebla. La película también tiene su lado sombrío, que requiere ángulos bajos, sombras oscuras y tomas ocasionales de enfoque profundo. Con la que ganó el único Oscar de su carrera como director de fotografía. En “Las uvas de la ira” (1940), la versión realista de John Ford de la entonces controvertida novela de John Steinbeck, el estilo fotográfico de Toland coincidía con la crudeza y dureza de la escritura. No utilizó pantallas ni filtros para suavizar las duras imágenes de rostros arrugados, fondos sombríos y sequedad abrasada por el sol que ilustraban con tanta elocuencia la difícil situación de los migrantes del Dust Bowl que se dirigían a California en los años treinta.
No hay romance ni misterio ni siquiera en los efectos nocturnos: solo una realidad fría y nítidamente delineada. La más artística de las películas de Toland creo que sigue siendo “El largo viaje a casa”(1940), una mirada conmovedora a la vida de los marinos mercantes y al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, dirigida por John Ford. La mayor parte de la película se desarrolla a bordo de un barco, que se simula en un plató. No hay ninguna sugerencia de horizontes ilimitados o cielos abiertos, solo el pequeño y estrecho mundo de los hombres que viven en los barcos de carga. Las composiciones compactas están cuidadosamente dispuestas, recordando las agrupaciones de las pinturas de género holandesas. Los detalles del metal, el óxido y el sudor están tan elocuentemente enfatizados como los fuertes rasgos de un gran reparto de personajes (John Wayne, Thomas Mitchell, Ward Bond, Ian Hunter, Barry Fitzgerald, Wilfrid Lawson, John Qualen).
Es probable que la fama de Toland se basara en gran medida en “El largo viaje a casa”, pero otro préstamo, esta vez a RKO-Radio, dio como resultado la película que prácticamente eclipsó sus esfuerzos anteriores. “Ciudadano Kane” (1940), fue el debut como director de largometrajes de un joven que venía de la radio y el teatro, Orson Welles. Gregg Toland dijo que Welles fue «uno de los artistas con los que más colaboración he tenido el privilegio de trabajar«. No puso límites a la originalidad de los efectos y ángulos fotográficos y creo que los resultados justificaron plenamente esa política. Toland es tan responsable de Ciudadano Kane como Orson Welles… más o menos. Como Kane fue la primera película de Welles, sabía que necesitaba un buen director de fotografía que le ayudara a crear su visión. Con libertad para experimentar a su antojo, Toland utilizó fotografía de foco profundo, decorados en el techo, iluminación de ángulo bajo y tomas en primera persona extremas por las que la película es ahora famosa. Todas estas técnicas permitieron a Welles montar escenas enteras en una sola toma, gracias a la libertad de movimiento que permitía la lente de foco profundo. Welles quedó tan impresionado y agradecido por la contribución de Toland a la película que hizo algo poco común en el mundo de Hollywood: le dio a Toland el mismo crédito en pantalla, colocando tanto al director de fotografía como al director en la misma tarjeta de título.
«Fotografiar a Ciudadano Kane fue, sin duda, la aventura profesional más emocionante de mi carrera«. Irónicamente, no hubo más colaboraciones entre Welles y Toland. El uso innovador que Toland hizo del enfoque influyó en muchos otros cineastas en los años venideros. En los esquemas de iluminación de Toland, la sombra se convirtió en una herramienta mucho más convincente, tanto dramática como pictóricamente, para separar el primer plano del fondo y así crear espacio dentro de un marco bidimensional mientras se mantiene toda la toda la imagen enfocada. Según Toland, este estilo visual era más comparable con lo que los ojos ven en la vida real, ya que la visión difumina lo que no se mira en lugar de lo que se mira. Su lema era que la fotografía debía estar al servicio de la narrativa. Reconoció haber sido un placer trabajar con algunos de los directores más destacados de la industria: Leo McCarey, Mervyn LeRoy, King Vidor, Rouben Mamoulian, Richard Boleslawsky, Sidney Franklin, Howard Hawks, William Wyler, John Ford y Orson Welles. Directores que estaban abiertos a sugerencias que lleven a la cámara fuera de los caminos trillados del conservadurismo fotográfico.
Gregg Toland poseía una combinación poco común de habilidades, un instinto artístico natural, la determinación de ofrecer el mejor producto del que era capaz y una enorme capacidad de trabajo. Toda su obra es la de un hombre joven, porque su vida fue trágicamente breve. En 1948 murió repentinamente de un ataque cardíaco. Tenía 44 años. El contrato de Toland con Goldwyn, firmado en 1926, todavía estaba vigente en el momento de su muerte. Le había proporcionado una mayor libertad durante un período de tiempo más largo que la que se le había concedido a cualquier otro director de fotografía. Detrás de su semblante melancólico se escondía un gran gozo por su trabajo.
